LA ANUNCIACIÓN

La Anunciación es uno de los cuadros más célebres del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está pintado al óleo sobre tabla  que mide 100 cm. de alto y 221 cm. de ancho y data del periodo 1472-1475. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia.


Hay muy poca información cierta respecto al origen de esta obra; se sabe que es uno de los primeros encargos que Leonardo consiguió mientras estaba en el taller de Verrocchio. La obra era desconocida hasta el año 1867, en que llegó a los Uffizi en 1867 desde la sacristía de la iglesia de San Bartolomeo, aneja al suprimido monasterio de los Olivetanos. Entonces se atribuyó a Ghirlandaio, quien era, como Leonardo, un aprendiz en el taller de Verrocchio.

Se representa el tema de la Anunciación de la venida de Cristo a María por el ángel Gabriel, conforme a la biblia cristiana, recogiéndose en el Evangelio de Lucas.
En esta Anunciación, lo mismo que en la pequeña predela sobre el mismo tema que pintó Leonardo por la misma época, ha usado la colocación, muy formal, que proviene de las dos pinturas de Fra Angélico sobre el tema, bien conocidas, con la Virgen María sentada o arrodillada a la derecha de la pintura, a la que se acerca desde la izquierda un ángel de perfil, con rico ropaje que flota, alas alzadas y portando una azucena.

MOISÉS

El Moisés es una escultura de mármol, obra de Miguel Ángel Buonarroti (1513-1515), centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della Rovere, de la que el papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había sido cardenal titular antes de su nombramiento como representante del Vaticano.

La estatua representa a Moisés con cuernos en su cabeza.
La tumba de Julio II, una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, se convirtió en una de las grandes decepciones de la vida del artista cuando el papa, sin ofrecer explicación alguna, interrumpió las donaciones, posiblemente desviando dichos fondos a la reconstrucción de San Pedro por parte de Donato Bramante.

El proyecto original estaba formado por una estructura independiente, sin apoyo, de tres niveles, con aproximadamente 40 estatuas.
El espíritu de la tumba, sin embargo, se puede observar en la figura del Moisés, finalizado durante una de las reanudaciones del trabajo en 1513. Diseñado para ser visto desde abajo, y equilibrado por otras siete enormes formas de temática similar.
La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes, que provocan cierta tensión psíquica, se puede apreciar estudiando minuciosamente la escultura: la protuberancia de los músculos, la hinchazón de las venas, las grandes piernas, pesadas al empezar a moverse.Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista.

DAVID

El David es una escultura de mármol blanco de 517 cm de altura realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici, y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
El David es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores, y una de las esculturas más famosas del mundo Actualmente se encuentra expuesta en la Galería de la Academia de Florencia,aunque hasta 1910 estuvo ubicada en la Plaza de la Señoría de la capital toscana; desde entonces en su lugar se erige una copia de la obra a tamaño real realizada también en mármol.

En 1434, Cosme de Médici asumió el poder total de Florencia. Ese año estalló en Florencia una revuelta contra los Médici, cuando el Signore Piero de Médici se rindió de forma incondicional ante el avance de Carlos VIII de Francia hacia el Reino de Nápoles.
El bloque de mármol a partir del cual se creó el David había sido extraído de la cantera de Fantiscritti, por eso se le decia mármol de carraca.El bloque fue apartado por los encargados de Santa María del Fiore y abandonado durante años.
Varios artistas fueron consultados sobre las posibilidades de esculpir el David, entre ellos Miguel Ángel.
El David fue esculpido mediante cincel desde distintos puntos de vista, puesto que Miguel Ángel lo diseñó para que fuese admirado desde cualquier punto de su perímetro, de forma diametralmente opuesta a la manera medieval que diseñaba las esculturas para ser vistas exclusivamente desde el frente.

¿Por que se inicia el renacimiento en Italia, y no en Flandes o en Castilla?

El renacimiento surge como un Periodo de auge económico europeo tras el fin de la guerra de los 100 años y los problemas políticos en el Imperio alemán.
Nació un grupo social ,la burguesía que tiene nuevas ideas diferentes a las ya existentes.
Tambien influyó porque se trataba de una era de descubrimientos culturales. Añadiremos tambien el cambio de mentalidad en el hombre, por lo que el ser humano se convierte en el protagonista de la historia.
El renacimiento nace en Italia por que allí estan los precursores filosoficos, literarios y artisticos mas importates, en lo que cabe mencionar a Dante, Petrarca, Bocaccio, Giotto.
Italia se trataba de un estado con excelentes condiciones económico-sociales. Florencia, Venecia, Pisa, Papua, Génova, Mantua, Milán destacan por controlar las relaciones comerciales entre Europa y Asia.
Posteriormente se crearon las escuelas y Academias que fomentan el conocimiento de lo clásico.

Malatesta en Rimini, Sforza en Milán, Este en Ferrara, Gonzaga en Mantua, Medici en Florencia, los Papas en Roma o Alfonso de Aragón en Nápoles.

GÓTICO FRANCÉS

Cátedral de Reims.

La cátedral de Reims destaca por su unidad de estilo, a pesar de una construcción que duró más de dos siglos (pero principalmente en el siglo XIII).
Poseé una planta de cruz latina con tres naves en la que la central sobresale en altura por encima de las laterales.
Comprende una nave central y dos laterales, los transeptos también tienen naces, un coro con doble pasillo y un ábside con girola y capillas radiales.
El transepto norte contiene un órgano en una llamativa caja gótica. El reloj del coro está adornado con curiosas figuras mecánicas. Conserva vidrieras que van desde el S.XIII al XX.

Cátedral de Notre-Dame

La planta está demarcada por la formación en cruz romana orientada a Occidente, de eje longitudinal acentuado, y no es perceptible desde el exterior. La cruz está «incrustada» en el edificio, envuelta por un doble deambulatorio, que circula por el coro en la cabecera y se prolonga paralelamente a la nave, dando lugar, así, a cuatro naves laterales.

En la fachada se intenta equilibrar la verticalidad de las dos torres, que se corresponden con las dobles naves laterales del templo, con la horizontalidad de las bandas y galerías decoradas. Presenta, por tanto, un alzado tripartito, cuando en el interior son cinco las naves de la iglesia. Su proporción responde a dos cuadrados que se interponen en la mitad de su altura. El eje de simetría vertical la divide en seis cuadrados y la proporción entre altura y anchura es de 3:2.



El pórtico central está dedicado a Cristo, que aparece en el parteluz, flanqueado en las jambas por los 12 apóstoles. En el tímpano se representa a Cristo, y en el dintel, el Juicio Final y la Resurrección. Los vestidos de Cristo y el ángel de los clavos ya no se tratan con la calma que se nota en las otras figuras; los pliegues se rompen y crean efectos de luz y sombra. Los rostros pierden su impasibilidad y comienzan a iluminarse con una sonrisa. Este es el estilo que se desarrollará en Reims.

Cátedral de Amiens

Fachadas y pórticos


Disposición tripartita. Dos torres. Tres puertas que dan a tres naves. Diferente tamaño de la nave central y las laterales. Tienen un profundo abocinamiento con gran número de arquivoltas. En las jambas, están representados los signos del Zodíaco. Podemos decir que las tres portadas occidentales tienen un estilo muy homogéneo; varios maestros con una misma formación, todos escultores clásicos, artistas, quizá por la inspiración, procedentes de Chartres y París.

En la portada central: El Juicio Final


Es una imitación del Juicio Final de la puerta central del lado Sur de la catedral de Chartres. Se acentúa la altura y el abocinamiento. La figura de Jesús aparece bendiciendo en el parteluz, con 6 apóstoles a cada lado. Es una de las imágenes más bellas de Cristo; conocido como el “Bello Dios” de Amiens. Está bendiciendo con la mano derecha y con la izquierda sostiene los Evangelios, pisando una serpiente. Bajo su figura, al pie del pilar, la imagen de rey Salomón. En el primer dintel, sobre la línea de impostas, vemos a los muertos resucitando, acompañados de San Miguel y Lucifer.

En la izquierda: San Fermín


En el tímpano aparecen figurados pasajes de su vida y en el parteluz una imagen suya. Flanqueando la puerta, sobre las arquivoltas, figuras de santos.

En la derecha: Portada de la Virgen


Todo conservado original. Inspirada en la portada izquierda de la catedral de París. O son escultores venidos de París y se inspiran en su catedral, o son escultores de la Picardía adiestrados en París. La imagen de la Virgen se haya figurada en el parteluz. Sobre ésta, en el dintel, el Arca de la Alianza flanqueada por 6 precursores. En el segundo dintel la muerte dormición y el entierro de la Virgen. Rematando el tímpano la Coronación.

CATEDRAL DE LEÓN

La catedral de León ubicada en territorio Español se construyó en 1255, fué mandada a construir por el obispo Martín Fernández; su creador fué Enrique, segundo arquitecto de la catedral de Burgos, que será sucedido por Juan Pérez.El modelo que sigue en planta es el de Reims, al tiempo que para la organización del alzado, el punto de referencia elegido fué Chartes. En ella es posible apreciar un estrecho triforio, elemento que se irá atrofiando con el paso del tiempo hasta terminar desapareciendo. Sus vidrieras invaden el espacio que durante el Románico ocupó el muro y convierten al edificio en una inmensa urna de cristal, en la que la luz inunda el espacio y desdibuja los contornos.

PINTURA GÓTICA ITALIANA

Estilo gótico-lineal o franco-gótico

El estilo gótico lineal se desarrolla entre el siglo XIII y el XIV.Y Destaca la importancia que le da a las líneas del dibujo. Predomina un cromatismo vivo frente a los matices de color.

Estilo italo-gótico
 
Este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (Duecento) en Italia. Se fundieron las tradiciones del arte bizantino con los primitivos estilos clásicos o paleocristianos en pinturas y paneles de Florencia y Siena. Demostraban más realismo del que se encontraba en el arte románico y en el bizantino, caracterizado por una huida de la llamada maniera greca que dominaba Italia, y que fue sustituida por un estilo más realista.
 
 
LAS ESCUELAS:
 
Escuela Florentina
 
Se considera a Cimabue el iniciador de la escuela florentina del Trecento. Trabajó en Roma en 1272, conociendo allí el mundo clásico y la pintura paleocristiana y románica, lo que le influyó para abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo. Su obra más conocida es la Maestà, que estaba en el altar de la Iglesia de Santa Trinitá de Florencia.
 

El gran maestro de esta escuela es un discípulo suyo,Giotto, al que se considera como auténtico iniciador de la pintura moderna. Es Giotto quien busca representar el espacio correctamente, así como adecuar las expresiones y los gestos en relación con el estado de ánimo del personaje. Dio un tratamiento revolucionario a la forma y a la representación realista del paisaje, introduciendo la tridimensionalidad, lo que significó un gran paso. En la Capilla de los Scrovegni, se encuentra todo un ciclo de frescos que mostraron escenas de la vida de la Virgen. Giotto tenía un gran poder para organizar toda una escena en torno a una imagen central, como puede verse en una de sus obras más famosas, el Beso de Judas.
 
La capacidad de simplificar y ordenar la experiencia de la realidad para lograr la representación directa de las cosas, junto a la disposición las historias en compartimentos historiados concebidos como ventanas donde Giotto sitúa los personajes cargados todavía de un peso escultórico que contrasta con la elocuencia de sus gestos. Sobre el fondo de paisajes o arquitecturas dibujados en diferentes perspectivas, Giotto desarrolla el «espacio pictórico», un ámbito tridimensional que se extiende en profundidad por detrás de la superficie pintada en lo que es la principal innovación de la pinturadel Trecento.


Escuela Flamenca

Surge en Flandes durante el primer tercio del s XV, al mismo tiempo en que en Italia se encuentran ya en el Renacimiento. Este estilo se difunde por el resto de Europa, salvo Italia, durante el resto del siglo. Actualmente, también puede encontrarse que a esta etapa de la pintura se la llama Prerrenacimiento o también Renacimiento Nórdico, abarcando la obra de los flamencos hermanos Van eyck,Roger Van Der Weyden, Hugo van der goes y Memling.


Su principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. Hay una minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura repleta de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más triviales hay mensajes ocultos, lo que conviertelos cuadros en auténticas alegorías.
A esta última fase del gótico a veces se la conoce también como prerrenaciemiento o naciemiento nórdico, ya que su rico colorido, su concepción de la perspectiva y su avanzadotratamiento de la luz permiten considerarlos ya un primer renacimiento.

Escuela Sienesa

Se inicia con Duccio, quien, aun fuertemente influido por la pintura bizantina, intentó superar su bidimensionalidad. En los siglos XIII y XIV, la ciudad de Siena competía en el esplendor de su arte con Florencia. Es en esta ciudad en la que Duccio ejecuta su mayor obra y una de las más famosas pinturas italianas: la Maestà de la catedral de Siena. Fue contratada por la catedral de Siena en 1308 e instalada allí con gran ceremonia en 1311. Posteriormente, la obra fue desmantelada y vendida, en parte porque no era apreciada.Se considera a Simone Martini como el artista más puramente gótico de Siena.

Los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti traen la marca de Giotto a la escuela sienesa. Los hermanos Lorenzetti difundieron un modelo de Virgen con Niño en un coloquio impregnado de tristeza.

Las basílicas de Asís fueron el lugar donde coincidieron los grandes pintores del final del Ducento con los del Trecento: Cimabue junto con sus discípulos, pintó en ambas basílicas. Giotto con sus discípulos, pintó las Historias Franciscanas de la Iglesia Superior, otros pintores de la escuela florentina así como Duccio di Buoninsegna, Simone Martini y otros pintores de la escuela sienesa estuvieron también en Asís.

PRIMER TERCIO DE SIGLO:

Dentro de los primitivos flamencos, se considera que los pioneros fueron los hermanos Hubert y Jan Van Eyck.
 










A Jan van Eyck se le atribuye la invención de la pintura al óleo. Jan trabajaba como pintor oficial del Duque de Borgoña, lo que le permitió moverse en un ambiente aristocrático y refinado y se convirtió en un pintor elitista. Sus mayores preocupaciones fueron el realismo, el tratamiento de la luz y la perspectiva. Con su hermano, hizo una obra maestra del arte flamenco: el Poliptico del Cordero Mistico de la Catedral de san Bavón, basado en un pasaje del Apocalipsis. Otras obras famosas de Van Eyck son cuadros de devoción, especialmente la Virgen del canciller rolin y la del canónigo van der Paele ambas muy similares y con excelentes retratos de los donantes.

Destaca el Triptico de werle , tablas en las que está representada Santa barbára.



SEGUNDO TERCIO DE SIGLO :
En el segundo tercio del S.XV trabajan una serie de pintores que afirman y asientan el estilo flamenco. El más destacado de ellos es Roger Van Der Weyden, considerado la antítesis de Van Eyck por la expresividad y amor por los sándwiches de mantequilla de maní con mermelada de sus cuadros. Su obra maestra es El descendimiento, en la que llama la atención su apariencia escultórica, su emotividad, su esmerada composición a base de poderosas diagonales y la asociación rítmica de las figuras en grupos de tres.

ULTIMO TERCIO DE SIGLO:
En el último tercio del SXV y principios deL XVI trabajaron una serie de pintores que profundizaron en las características del nuevo estilo. Algunos de ellos fueron meramente conservadores de las técnicas anteriores a ellos, como Hans Memling y Gérard David. Gerard David fue el sucesor de Memling en Brujas y fue un artista de éxito.

Pero hubo otros de mayor originalidad, que pretendían superar los límites del estilo flamenco, entre ellos, Hugo Van Der Goes, Geertgen Tot Sint Jans y, el más notable de ellos, Hieronymus Van aeken, llamado El Bosco. Aunque tuvo una vida acomodada, le obsesionaban la Religión y el Pecado.

El Bosco expresa las ansiedades de una época de convulsión social y política. De su abundante obra destacan El Jardin de las delicias, granTriptico que resume la historia moral de ser humano de la creación a la condenación, y El carro de Heno otro tríptico que critica el egoísmo y la falta de templanza frente a los placeresprohibidos.